Фигуры на пляже, 1931

Пабло Пикассо – это художник, именем которого знаменуется новое искусство. Всю жизнь он находился в поиске своего пути, начав свое творчестве в рамках классицизма, он завершил его как постмодернист. Он оставил после себя несколько десятков тысяч работ и считается самым дорогим художником в истории.

До 23 мая в  ГМИИ им. А.С.Пушкина можно посмотреть более 200 работ художника – из парижского Национального музея Пикассо. Мы решили разобрать его творчество «по слогам» и понять, отчего же вокруг этого имени уже около века так много шума.

Пикассо начал рисовать с раннего детства: первая серьезная работа маслом «Пикадор» была выполнена им в 8 лет. В ранний период его творчества, продлившийся до 1901 года, он делает много классических работ. Но уже в 16 лет отходит от реализма, подвергшись влиянию символистов.

Жизнь, 1903

В 1900 году со своим другом Касагемасом он совершает поездку в Париж, где знакомится с искусством импрессионистов — в частности на него повлияли работы Курбе, Мане и Тулуз-Лотрека. Внутренняя жизнь Парижа, поездка по Испании, совершенная после: нищие, больные, проститутки – все это глубоко поразило Пикассо, и дополнилось впечатлением от самоубийства его друга Касагемаса. Это событие изменило его творчество. Осознав, что чувства боли и печали, переполнявшие его, нельзя передать классическими методами искусства, он ищет способ, наиболее подходящий для этого. Так, в 1901 году начинается «голубой период». Пикассо берет из всей палитры лишь темные тона голубого и сине-зеленого, остальные присутствуют в работах лишь постольку поскольку. Изображение жизни как она есть у реалистов, больше не удовлетворяло его, теперь он стал изображать ее сквозь призму чувств. Многие работы этого периода как будто передают чистую боль и печаль («Свидание (Две сестры)» 1902 г., «Нищий старик с мальчиком» 1903 г. и др.). Это можно воспринимать как первый шаг деконструкции реальности (вторым будет кубизм). В 1901 году он пишет «Смерть Касагемаса», посвящая ее самоубийству друга (эту знаковую работу можно увидеть в первом зале выставки в ГМИИ) Традиционно, кульминационной работой голубого периода по своей остроте и печали считается произведение, также посвященное его другу, — «Жизнь» 1903 г.

Девочка на шаре, 1905

Картина «Девочка на шаре» 1905 г. знаменует собой переход от «голубого» к  «розовому» периоду. В 1904 Пикассо переезжает в Париж — и начинается новый этап его творчества. Теперь в его палитре преобладает розовый, бежевый, желтый. Он изображает акробатов, арлекинов, клоунов, но смена цвета не ознаменовала переход к позитивному настроению. Розовый с желтым цвета лишь призваны навеять на зрителя романтическую атмосферу, но лица и позы комедиантов говорят нам об отчужденности их друг к другу, о трагизме их существования. Все позы статичны, изображаемые циркачи безмолвны и явно невеселы («Семья комедиантов» 1905 г.).

Следующий период творчества Пикассо начался под впечатлением иберийских и африканских скульптур, он традиционно называется «африканским», или «протокубистским» периодом. С точки зрения периодизации кубизма, эта фаза называется «сезаннистской». Здесь, я сделаю небольшое отступление от Пикассо, чтобы мы могли взглянуть на мир идей конца 19 – начало 20 вв., породившего кубизм.

В последней трети 19 века в искусстве происходила революция. Импрессионисты сделали первый шаг к отсутствию формы, на их картинах изображено субъективное видение художника, ускользающее мгновение, которое впечатлило его. Ускользающее мгновение не может быть статичным, следовательно, у него не может быть четких форм, отсутствует контурный рисунок. Постимпрессионисты решили пойти дальше, и вместо того, чтобы как их предшественники рисовать свое субъективное видение материального мира, своих сиюминутных впечатлений, они попытались осмыслить этот мир, и выделить в нем непреходящее, основу вещей. Это подтолкнуло их к анализу художественных средств, используемых художниками на тот момент. Писарро, Ван Гог, Сера, Синьяк стали экспериментировать с линией и цветом. Сезанн попытался привести объекты к их базовым формам, изображал не индивидуальное в мире, а общее, базовое («Большие купальщицы» 1900—1905 гг.).

Авиньонские девицы, 1907

Так в 1907 г. на свет появились «Авиньонские девицы» Пикассо, которые продолжили дело Сезанна к приведению к единому основанию. Еще более радикальное изображение женщины как идеи, структурных оснований женской фигуры и символа воплощено в работах 1908 г. «Сидящая женщина», «Дриада» и «Три женщины». Монументальные формы, ромбообразные и треугольные объемы создают ощущение устойчивости и вечности изображаемых предметов, они показаны такими, какие они есть в контексте универсума вещей.

Следующая фаза кубизма – аналитическая, ее основным принципом являлась деконструкция формы предмета с целью выявить его элементарные геометрические основания. Предмет изображался в двумерной плоскости, но в ней совмещали все возможные ракурсы, таким образом, что иногда ты видел все четыре стороны предмета. Чаще всего в этот период изображались предметы, символизирующие жизнь парижской богемы: винные бутылки, пачки сигарет, музыкальные инструменты и т.д («Гитара» 1913 г., «Портрет Амбруаза Воллара» 1915 г.). Картины этого периода похожи на отражение в разбитом зеркале. Условно процесс работы над реальностью во время написания картин можно представить так: сперва какой-либо цельный предмет анализировали по всем возможным параметрам — его форме, виду с разных ракурсов, соотношению частей в нем. Затем его разбивали и анализировали каждую часть отдельно, а после этого уже складывали все обратно, причем необязательно в том же порядке. Кубисты первыми в истории искусства начали играть с реальностью, как им заблагорассудится. Они сперва ее разобрали на кусочки, а потом посмотрели, что будет, если собрать их в том или ином порядке, если изобразить несколько точек зрения одновременно.

Портрет Амбруаза Валлора, 1910

Последняя, синтетическая фаза кубизма характеризуется вводом в полотна неживописных элементов: кусков обоев, нот, вырезок из газет, театральных афиш, линолеума и т.д. Таким образом кубисты стерли грань между искусством и реальностью. Если до этого фактура произведения, материальная составляющая играла лишь вспомогательную роль неких дверей в смысл произведения, в изображаемое, то теперь оно сделало произведение произведением. Вместо того, чтобы подражать реальности, произведение создает собственную художественную реальность. Это главный шаг к абстрактному искусству, проложивший дорогу и абстракционизму, и супрематизму. Использование предметов быта (плакаты, афиши, обрывки одежды) в своих произведениях придало художественную значимость элементам реальной действительности, что сделало возможным появление реди-мэйдов.

Начиная с 1916 года, Пикассо работает над декорациями к балету Дягилева «Парад». Он возвращается к структуре и порядку, пишет картины в неоклассическом стиле — искусствоведы определяют этот период как «классический».

С 1925 года Пикассо обращается к новому направлению – сюрреализму, и как следствие этот период его творчества называется «сюрреалистический». Сюрреализм Пикассо – это, прежде всего, фантазия формы и образов, он не придумывает новые миры, монстров, некую иную реальность. Это лишь очередной вариант игры с формой и структурой предметов, который подходил Пикассо на тот момент для выражения собственных мыслей и чувств. Здесь грубые кубистические объемы сменились более плавными: большая часть работ этого периода пронизана чувственно-сексуальными мотивами. В этот же период, в его искусстве появляется символ минотавра, он пишет целый цикл работ на эту тему: «Минотавр и обнаженная» 1933 г., «Слепой Минотавр, ведомый девочкой» 1934 г., «Минотавромахия» 1935 г. и другие.

Натюрморт с бычьим черепом, 1942

Начиная с середины 30-х годов, в творчестве Пикассо вновь появляются мотивы трагического, покинувшие его в «классическом периоде». Он активно переживает политическую ситуацию в родной Испании. В апреле 1937 года немецкая и итальянская авиация разбомбили баскский город Герника. Пикассо посвятил этому событию

громадное полотно «Герника» , написанное в черно-белой гамме, передающее своими образами и цветами ужас и трагизм тех событий и личные переживания Пикассо. Если учитывать всю смысловую нагрузку картин этих лет, то появляется мысль, что минотавр – это усложненный символ Испании, т.е. бык. В военные годы очень много мрачных натюрмортов, которые веют смертью и напоминают зрителю об ужасе, который несет война и фашизм. Череп быка становится одним из изображаемых предметов многих работ («Натюрморт с бычьим черепом» 1942 г., «Натюрморт» 1945 г.).

В послевоенные годы Пикассо пишет в разных стилях, свободно сочетает разные цвета и формы, он становится более свободен в своем творчестве. В 60-х в очередной раз выступает новатором, пишет цикл парафраз на шедевры Веласкеса, Делакруа, Мане и других («Завтрак на траве. По Мане» 1960 г.). Эти вариации выступают в качестве цитат, в качестве диалога между ним и гениями, так же они выступают в качестве иронии. Всему последнему периоду его творчества очень свойственна ирония: над обществом, над его прошлыми идеями, стилем, над всем искусством («Лежащая обнаженная» 1968 г., «Поцелуй» 1969 г.).

Пусть даже истинное новаторство  художника до сих пор является спорным моментом для искусствоведов,  Пабло Пикассо отобразил в своем творчестве духовные поиски целой эпохи: он чувствовал искусство и его развитие и никогда не отставал от него.

Пабло Пикассо из собрания Национального музея Пикассо в Париже – в ГМИИ им. А.С. Пушкина до 23 мая 2010 г.

В материале использованы иллюстрации с сайтов: pablo-ruiz-picasso.ru, staratel.com, impressionism.ru